Charles Dodgson, mejor conocido como Lewis Carroll, el creador de Alicia en el país de las maravillas -ahora tan en boga gracias a la nueva versión cinematográfica de Tim Burton- fue además de escritor, un ferviente amante de la fotografía.

Existe mucha polémica en torno a su vida personal, que si era pedófilo o no, que si practicaba el celibato, en fin, mitos que de alguna manera son afianzados en la contemplación de las imágenes hechas por Carroll, casi siempre niñas modelando durante minutos interminables, disfrazadas, niñas dormidas, recostadas, en harapos… Imágenes controversiales, sí, pero de una belleza indudable. Según algunos de sus biógrafos, Lewis era un anticalvinista que estaba a favor de la belleza natural del cuerpo, sin mancharlo con preceptos sobre el pecado original. Se han encontrado alrededor de seis imágenes de niñas sin ropa, supuestamente el fotógrafo destruyó su propio acervo de desnudos infantiles debido a lo ofensivas y escandalosas que pudieran resultar.

Sobresalen en su obra las fotografías de Alice Lidell, la niña que -se dice- fue la inspiración para el famoso personaje. El también matemático tenía un estudio propio y es ahora considerado uno de los mejores fotógrafos de la época victoriana. No sólo hizo retratos de niñas, también existen fotos de sus amigos y de paisajes. Fue cercano a Julia Margaret Cameron, quien también fotografió a Alice Lidell ya en sus años de adolescente.

La obra fotográfica de Lewis Carroll, fue reconocida varios años después de su muerte, gracias en gran parte a la intervención de Virginia Wolf.

De músico, cineasta y cocinero, Mark Borthwick tiene un poco, pero de lo que más tiene es de fotógrafo. Considerado uno de los grandes autores de las imágenes de moda de los años recientes, él ha decidido dejar atrás el mundo del glamour para darle paso a las nuevas generaciones: “la razón principal por la que dejé de ser fotógrafo de moda es que no quería participar en una industria en la que, primero que todo, nunca realmente creí; y segundo, no me parece que la moda sea una industria contemporánea”

Para Mark, lo que era arte debe ser ahora algo material, un objeto sólido que podamos consumir. Así que, lo mismo puede hacer fotos un día, pintar al otro, componer alguna melodía después y el cuarto día dedicarlo exclusivamente a estar con sus hijos. Pasa varias temporadas en una casa cerca de la playa, en Tulum y está casado con la diseñadora de moda chilena María Cornejo.

Mark Borthwick nació en Londres, vivió en París y ahora radica en Brooklyn. Sus imágenes suelen ser minimalistas y llenas de color. Nos dejan ver al hippie romántico que el autor lleva dentro, es un mundo en que lo natural es lo más sano. Una visión más auténtica de quien solía ser uno de los consentidos de revistas como VOGUE ó PURPLE.

A finales de 1939 -año del nacimiento oficial de la fotografía- empiezan a desembarcar en Veracruz las primeras cámaras fotográficas importadas al país por comerciantes franceses radicados en estas tierras.

Con el Imperio de Maximiliano de Habsburgo en 1863, la fotografía tomó auge  en México gracias en gran parte a las Tarjetas de Visita, una forma célebre de “publicidad fotográfica” de gran éxito en París.

Toda una cronología de los eventos que marcaron la fotografía en México y una ampia colección de imágenes fueron reunidas en una sóla publicación editada por la editorial Océano. Fruto de investigaciones realizadas por el Centro de la Imagen, perteneciente a Conaculta, 160 años de Fotografía en México contiene textos de Alejandro Castellanos, José Antonio Rodríguez, Martha Jarquín y Estela Treviño, este libro es un indispensable en la colección iconogrífica del nuestros tiempos.

Desde los primeros daguerrotipos hechos en nuestro país, hasta el inicio de la Bienal de Fotografía y el Festival Fotoseptiembre, sin dejar atrás la fotografía de la Revolución Méxicana con el archivo de los Hermanos Casasola, pieza fundamental para entender un poco la historia reciente México.

Los otros ganadores del World Press Photo

El pasado 13 de febrero se dio a conocer la lista de ganadores del más prestigioso concurso sobre periodismo gráfico a nivel mundial, el World Press Photo Contest.

El grito silencioso de dos mujeres desde una azotea de Teherán le dió a Pietro Masturzo el premio como fotografía del año 2009. Latinoamerica se hizo presente gracias al mexicano Guillermo Arias, la peruana Gihan Tubbeh y Karla Gachet de Ecuador.

Como la mayoría de las fotografías galardonadas fueron captadas en situación de guerra, en este espacio quiero presentarles -además de las ya mencionadas arriba- algunas de las imágenes que poco o nada tienen de bélico.

Son fotos que muestran historias sobre la vida cotidiana de diversas partes del mundo. Diferentes personajes rondan la lente: un niño autista, una bailarina de tango o el provecho que los pobladores de una pequeña villa en Zimbawe sacan de un elefante muerto, entre otras.

Un aplauso para los holandeses, que se llevaron la mayor parte de los premios.

El tema Migración es una constante en la cultura popular de México y prácticamente de todos los países de América Latina. Veracruz es uno de los pasos casi obligados de las personas que deciden dejar su lugar de origen hacia un destino más prometedor: el norte.

Luis Aguilar. fotógrafo mexicano radicado entre San Cristóbal de las Casas y la Ciudad de México, empezó hace poco más de dos años un viaje junto a los migrantes desde diversas zonas de la frontera con Guatemala hasta sus destinos a lo largo de la línea divisoria con Estados Unidos. Infinidad de anécdotas hay por contar: infinidad de imágenes hay por sentir y apreciar.

El proyecto, que fue apoyado por la Fundación Bernard Van Leer de Holanda, ha tomado ahora forma como un libro fotográfico titulado Migración: Sueños y Esperanzas del Sur. El libro fue presentado el pasado 29 de enero en la Comisión de los Derechos Humanos del Distrito Federal y cuatro días más tarde en el Centro Cultural Tierra Adentro de San Cristóbal de las Casas.

La publicación se realizó gracias al apoyo fundamental de Melel Xojobal A.C., un organismo chiapaneco dedicado al trabajo en pro de la infancia indígena.

La obra documental de Luis Aguilar constituye un referencia social súmamente importante en el fenomeno migratorio que, de una u otra manera está presente en las vidas de todos los que habitamos esta nación. Enfrentamientos con la autoridad, hambre, risas, compañerismo, largas caminatas, viajes en tren y demás aventuras en la travesía del migrante quedan plasmadas en escala de grises a través de la mirada consciente del fotógrafo.

La edición 2009 de PhotoEspaña tuvo como ganadora en la categoría de “Descubrimientos” a Alejandra Laviada, una mexicana  radicada en Estados Unidos cuya laureada serie se basa en lo que ella llama Fotoesculturas. El trabajo de Laviada consistió en recorrer las calles del centro histórico de la Ciudad de México en busca de edificios abandonados. Así, encontró viejas oficinas repletas de material en desuso que ella misma ordenó, ubicó en una zona determinada y después fotografió.

Sus intervenciones nunca se realizaron con material externo. Graduada en artes plásticas, Laviada asegura que para ella es mucho más importante crear un escenario para fotografiar, que simplemente documentar algo que ya existe. Lo cual nos indica que una de las tendencias de la fotografía contemporánea es hacer el registro de una previa experiencia estética. Este tipo de manifestación que además de la fotografía incluye otras expresiones artísticas como la escultura, la pintura, la instalación e incluso el performance, suelen hacerla mucho desde finales de los 70’s el dúo  suizo conformado por Peter Fischli y David Weiss. El trabajo de Laviada de repente parece estar decididamente influenciado por ellos.

La fotografía se vuelve un objeto de diálogo entre la cultura y el arte. La tradición fotográfica mexicana tiene un arraigo fuertemente documental y periodístico. El conceptualismo mexicano tiene entre sus mejores exponentes -y esto es un muy particular punto de vista- a los hermanos Fernando y Gerardo Montiel Klint, ambos reconocidos en el ambiente de las imágenes de la actualidad. La obra de los Klint está plagada de colores y escenarios extraídos de un mundo de sueños, o quizá pesadillas.

El arte siempre provocará reacciones diversas, así que cada quien es libre de opinar.

Ignacio López Bocanegra nació  en 1923, en Tampico. Quería ser cineasta y acabo siendo la referencia número uno en el fotoperiodismo mexicano. Creador de historias, leyendas y mitos, Cronista natural, cazador de imágenes. El Sistema Nacional de Fototecas alberga en sus archivos la obra del maestro. Y sí, también dio clases. Fue pionero, junto a Carlos Jurado, de la carrera de Artes Plásticas  en Fotografía de la Universidad Veracruzana.

“El fotógrafo más importante de la segunda mitad del siglo XX mexicano, un artista que tardará en ser asimilado, un periodista y documentalista de vanguardia que, en medio de la prisa, se dio tiempo para prepararse y poder zambullirse con su cámara en la sociedad que le tocó vivir, sobre todo en la ciudad de México, ubicada entre la tradición y la modernidad, lo rural y lo urbano, lo popular y lo glamoroso, la pobreza y la riqueza, una urbe todavía un tanto liberada de la masividad del presente”

Carlos Monsiváis para Luna Córnea

“Para Nacho López, el pueblo es el más rico en imágenes, ya que las clases se vuelven moralistas en algunas circunstancias que obligan a un cierto modo de conducta. De ahí que Nacho privilegiara la forma al fotografiar las circunstancias generales de la acción de la gente, y en particular de las capas sociales más libres, que son las populares, de la cuales existen expresiones más sinceras”.

Héctor García para Cuartoscuro

“Es un creador que combina lo documental con conceptos autorales que propician en esos años las primeras intervenciones en la vida diaria, un ejemplo de ello es La venus se va de juerga, que es la historia de un trabajador que traslada un maniquí que representa a una mujer desnuda, de la fábrica donde la crearon a la tienda de venta de ropa, en el trayecto provoca diversas situaciones que son registradas fotográficamente”

Marco Antonio Cruz

Ryan McGinley [1977] creció entre amigos y patinetas en un ambiente de barrio estadunidense de los años noventa. Apareció incluso en algunas de las imágenes de Larry Clark, famoso por sus fotografías sobre subculturas norteamericanas.

El joven McGinley suele tomar su cámara, invitar a sus amigos a un viaje sin destino fijo, con poco dinero en la cartera y lo mejor de todo: con poca ropa, o quizá ninguna prenda sirva, el chiste es divertirse, sentirse libre y expresar con las fotografías el mundo fantástico que existe en la mente del autor.

En este mundo no hay reglas… Las personas se pierden en sí mismas para reencontrarse al mismo tiempo. Todos están desnudos, los modelos y el fotógrafo. Él es el primero que alza la mano para asumir responsabilidades cuando la policía acecha. En sus imágenes cualquier cosa puede ocurrir, porque él hace que ocurran.

¿Qué más se puede decir? La gente se enamora de Ryan y Ryan de la gente. Ha expuesto alrededor de mundo, su trabajo sirve para inspirar el arte en algunos de los videos y discos de Sigur Rós, se ha hecho un nombre en la élite fotográfica y trabaja con las modelos más famosas del planeta tan sólo por ganar un poco de dinero, a él lo que realmente le interesa es seguir creando una fantasía de luz, carreras por el campo, húmedas cavernas, saltos en acantilados y desnudos masivos.

Lo que verdaderamente importa es pasarla bien.

Disparos antes, durante y después del sexo

En estos tiempos en que la fotografía se ha vuelto la actividad más democrática que existe, uno se pregunta ¿qué es lo que define la intimidad en nuestro siglo?

Los blogs, las redes sociales y las páginas personales están en todos lados como la moda del momento, el tener una cámara fotográfica digital, saber que no es necesario un minilab en donde los empleados verán tus fotos y el fácil acceso a internet permite sucumbir al impulso de registrar un momento súmamente íntimo no sólo como morbo natural y espontáneo, sino como una forma de exploración personal que tal vez no tenga ninguna explicación profunda y/o artística. El nudismo en la fotografía data desde su nacimiento, para finales del siglo XIX el 70% de las producciones fotográficas eran desnudos. Hay quien afirma que, el desnudo como tal en nuestra era actual es el más aburrido de los géneros fotográficos, tal vez por el hecho de estar sujeto a la venta inmediata de una idea erótica o pornográfica, al uso de modelos con poses y accesorios por demás prefabricados y de mala calidad.

Pero existe una delgada línea entre arte y entretenimiento. Va más allá de sólo querer mostrar algo “porque sí”, tener una idea preconcebida de lo que se va a hacer, un tema incuestionable, ideas perversas para una serie o simples deseos de llamar la atención. Esto es experimentación, improvisación, amor a la luz, al momento del día y a la persona que lo acompaña: esto es arte…

Juan Rulfo, Fotógrafo
16 de mayo de 1917 - 7 de enero de 1986

Hablar de un fotógrafo a quien se admira es difícil. Y si ese fotógrafo es además el considerado mejor narrador latinoamericano de los últimos tiempos la cosa se pone más difícil aún.

Y si todos los grandes escritores y críticos han hablado sobre su obra, pues entonces mejor hay que quedarse callados y admirar. Adentrarnos en el mundo de los muertos que hablan, del campo sediento, el calor extremo y las jornadas a pleno sol, de las caminatas por la sierra, el sabor de la tierra y el ladrar de los perros.

Y la noche, la noche. La media luna hablándole a la mujer, a la madre tierra que se abre ante nosotros para regalarnos su majestuosidad y su miseria, a través de los murmullos que invadieron la mirada de Juan Rulfo.